Jeremy Deller propose aux anciens mineurs d'Orgreave de participer à la reconstitution historique en costume de l'émeute ouvrière anglaise de 1984. Javier Téllez organise avec les patients de l'hôpital psychiatrique de Tijuana la propulsion d'un homme-canon par-dessus la frontière américano-mexicaine. Thomas Hirschhorn invite les habitants d'un quartier du Bronx à construire un monument en l'honneur du philosophe Antonio Gramsci. Une peau de cerf sur les épaules, Marcus Coates rencontre les résidents d'HLM à Londres et réalise une consultation spirituelle du lieu, en qualité de chaman. Ces pratiques artistiques contemporaines forment une nouvelle galaxie étrange, qu'on appellera ici art en commun. Il s'agit de créer dans l'espace social plutôt que dans l'atelier ; sur une longue durée et avec d'autres plutôt qu'en son for intérieur ; de façon collective plutôt que démiurgique. L'œuvre n'est pas le fruit du travail de l'artiste seul, mais celui d'une collaboration en présence entre artiste et volontaires. Ce dispositif artistique bouleverse notre conception de l'art et nos catégories esthétiques. Mais il revêt aussi une dimension politique, en s'emparant des questions de participation et de communauté qui comptent parmi les enjeux les plus cruciaux des tentatives actuelles de vivification de la démocratie, comme de la reconfiguration de nos manières de vivre. Cet ouvrage propose d'interroger les liens entre participation en art et en politique dans le contexte démocratique et néolibéral qui est le nôtre. Et de penser comment l'art en commun peut contribuer à la réinvention des formes possibles du collectif.

Qu'est-ce que l'art en commun ?
- Quelles formes d'œuvres pour l'art en commun ? (21)
- Que veut dire participer ? (55)

Comment l'art en commun interroge notre conception de l'art
- Activer le spectateur (75)
- Intéresser le spectateur (81)
- La valeur d'usage contre le désintéressement (97)
- D'où parle-t-on quand on parle d'art en commun ? (115)

Le spectre de l'instrumentalisation de l'art
- Comment penser les relations entre l'art et la politique ? (147)
- Une politique culturelle au service du social ? (165)
- de l'évaluation de l'art à la formation des valeurs (173)
- Quand valeur esthétique et valeur sociale se transforment (195)
- Comment continuer à agir dans l'espace social pour les artistes ? (209)
- Quelques ruses contre l'instrumentalisation (221)

Participation et communauté : au croisement de l'art et de la politique
- Les différents visages de la participation en politique (231)
- L'invention de la communauté par l'art et par la politique (281)

Cet ouvrage se propose de questionner les différentes formes d'hybridation entre des pratiques artistiques, de design et d'architecture. Il adopte une perspective transdisciplinaire afin de réfléchir sur les espaces-temps de la création et leurs répercussions dans la pédagogie, la recherche et la transmission. Comme l'anthropologue Tim Ingold l'a montré, le substantif in-between (que l'on pourrait traduire en français par "entre-deux") indique un processus, un mouvement ou un devenir où les choses ne sont jamais figées dans une identité préconçue. Les auteurs (chercheurs, artistes, designers, architectes) ont choisi de se situer dans cet espace interstitiel.

À travers un retour réflexif sur des pratiques pédagogiques alternatives, ils essaient d'ouvrir de nouveaux territoires pour la recherche-création.

Préserver l'exigence de discontinuité (8)
From Stem To Steam, comment l'éducation peut-elle être transformée par l'art (18)

Contre-discipline et improvisation (33)
- Pédagogie de la variation (34)
- Quelques réflexions aux marges de la pratique pédagogique (47)
- Indiscipliner la recherche : une pédagogie relationnelle (60)

Recherche-action-création : un projet avec les résidentes d'un centre d'accueil temporaire (76)

Rythme, design, architecture (99)
- Habiter le rythme : l'action physique comme manière de penser le projet (100)
- Architecture et design d'espace, l'inconscient disciplinaire (115)
- Chute Still Alive (130)
- Place au son ! expérimentations transversales du sonore en école d'architecture (140)
- Approcher l'innovation sociale en design (149)

Langues et formes de la recherche (157)
- La recherche, ses langues et genres d'écriture : propositions issues d'un Chora L Reworks (158)
- The Extreme In-Between (172)
- Une expérience pédagogique de terrain (186)

Vivre / Travailler / Habiter (196)

Née au XIXe siècle, la photographie a jusqu’aux années 80 assumé un statut spécial où s’est jouée la question de sa reconnaissance en tant qu’art. Mais une fois acceptée comme telle, comme le cinéma, elle a pu continuer à jouer pleinement le rôle d’un « hors champ », parfois dans une pratique d’accompagnement intime quotidien comme l’a toujours été et l’est encore le dessin, parfois aussi comme la pierre de touche implicite à l’épreuve de laquelle essayer la vérité de l’oeuvre. Cette exposition ne traitera pas de l’image photographique comme simple source formelle. Elle ne présentera que peu de photographies mais évoquera celle-ci comme déclencheur de l’oeuvre. Le néologisme de contre-images, formé sur le modèle de contretype, permet d’identifier des démarches où l’œuvre est marquée de ce contact à la photographie. Dans la prise de vue photographique s’identifie un décalage: distance de celui qui prend la photo (la véritable expérience de l’instantané n’est-elle pas enfin réalisée à partir des années 60 avec les cabines des photomatons organisées autour d’un miroir), distance géographique de la photo collectée, collectionnée telles les vues anciennes dont l’exotisme ethnographique abreuve l’Europe, distance/présence du souvenir quand l’apparition se renouvelle à chaque regard (Barthes). Les œuvres sélectionnées ici se fondent sur ce décalage, celui d’une photo prise avant ou, après et à partir de l’oeuvre.

Rap, smurf, break, tags, graffs, Zulu Nation... Ces mots, un peu étranges pour qui n'est pas affranchi, représentent la partie visible d'un mouvement qui se développe.
Véritable culture de rue, le hip-hop a un langage, un état d'esprit, des signes de reconnaissance, une mémoire, une prospective, le sentiment d'une appartenance revendiquée ou attribuée.

Dans cet ouvrage original, véritable " somme " sur la question, Hugues Bazin explore, à travers la parole de ses acteurs, l'histoire de ce mouvement, ses différentes expressions culturelles et artistiques - danse, musique, langage, graphisme -, son inscription sociale et urbaine.

Bien au-delà du simple phénomène de mode, le hip-hop, comme culture, est révélateur des fonctionnements et des blocages de notre société, et de la formidable force créative des arts de la rue. C'est le signe d'une profonde évolution.

Une culture de la rue
- les débuts du hip-hop (19)
- Un "état d'esprit" (29)
- Ecole de la rue (39)
- Système économique et contre-production culturelle (61)

Un mouvement
- Les Zulus et les B.boys (77)
- Un réseau (89)
- Des appartenances sociales et culturelles multiples (107)
- Phénomènes de mode et hip-hop (121)

L'expression corporelle
- Le rôle de la danse (139)
- Techniques et styles de danses (143)
- La pensée du corps (151)
- La danse et la culture hip-hop (155)

L'expression graphique
- Le graff (167)
- Le tag (185)
- L'univers commun au graff et au tag (201)

L'expression parlée et musicale
- Le message (217)
- Le médiateur (229)
- Messianisme (241)
- Le concept (251)
- La base sonore du rap (263)

Conclusion (273)

La collection de design du Centre Pompidou est sans doute l'une des plus importantes du monde. Fondée au début des années 1990, elle s'est d'abord constituée autour d'un noyau d'oeuvres-icônes, incontournables jalons d'une histoire de la discipline au XXe siècle. Aujourd'hui forte de près de 8 000 oeuvres, elle couvre l'ensemble des périodes et des mouvements esthétiques du XXe siècle, jusqu'aux domaines de recherche et d'expérimentation les plus contemporains. Elle rassemble des oeuvres extraordinaires, le plus souvent uniques, qui jalonnent l'histoire du design, tels le prototype du célébrissime Fauteuil Grand Confort de Le Corbusier, Charlotte Perriand et Pierre Jeanneret (1928) ou Bureau pour Robert Mallet-Stevens de Pierre Chareau (1927). Elle accueille également des objets ayant gagné une reconnaissance universelle comme le Bic Cristal (1950), vendu à plus de 100 milliards d'exemplaires. Ces 100 chefs-d'oeuvre du design permettront à tous les amateurs de découvrir les plus belles pièces de cette collection. Une collection qui évolue sans cesse et dont les cent chefs-d'oeuvre de demain seront, prenons-en le pari, une liste largement renouvelée.

Hector Guimard, né à Lyon en 1867, fut le représentant majeur de l'architecture Art Nouveau à Paris. Le Castel Béranger, un immeuble populaire construit à Auteuil entre 1895 et 1898, le rendit célèbre du jour au lendemain, pour l'originalité de son style et sa conception globale de l'architecture et de la décoration, tant extérieure qu'intérieure. Mais ce succès fut fragile, et toujours contesté ; les prises de position de l'architecte et ses formules " architecte d'art " ou " Style Guimard " contribuèrent à l'isoler. Les édicules du métropolitai
parisien restent son œuvre la plus populaire, et constituent même l'image incontournable du Paris autour de 1900. En tant que créateur de meubles, il a su faire évoluer son art vers un Art Nouveau plus classique, trè
proche de l'ébénisterie du XVIIIe siècle, tant par la pureté des formes que par la perfection des matériaux. Georges Vigne nous fait découvrir l'ensemble de l'œuvre d'Hector Guimard et à travers sa biographie nous évoque l'ère de l'Art Nouveau. Felipe Ferré nous livre sa précieuse et magnifique collection des photographies qu'il a consacrées aux œuvres d'Hector Guimard depuis plus de 30 ans. Ce livre est le résultat de leur rencontre;

Même si les objets gonflables font partie de notre quotidien depuis plus de deux siècles, architectes, artistes et designers n’en finissent pas de redécouvrir cette technologie faussement simple et souvent amusante.

Bubbletecture rassemble des éléments gonflables de toutes tailles, formes et couleurs issues des domaines de l’architecture, du design, de l’art et de la mode. Vêtements étonnants, bâtiments avantgardistes, installations provocantes, mais aussi jouets pour enfants, fauteuils ingénieux, luminaires ou même saladiers et coquetiers... Bubbletecture démontre que, quel que soit le domaine, l’objet gonflable est irrésistible.

Premier ouvrage du genre en France, ce vocabulaire fixe le langage spécifique des techniques du métal appliquées aux objets d'art, objets ethnographiques et éléments d'architecture. Les procédés définis couvrent une période allant de l'Antiquité à l'ère industrielle et concernent l'orfèvrerie, la bijouterie, la poterie d'étain, la fonderie, la dinanderie et la ferronnerie. L'ensemble des métaux, utilisés soit en structure, soit en recouvrement, est pris en compte. On sait l'intérêt grandissant pour la connaissance des méthodes de façonnage et de décoration des objets : le monde des métaux est spécialement riche en la matière et leur identification fait partie désormais de tout travail d'étude, de description et de mise en valeur du patrimoine. Avec cet ouvrage, l'histoire des techniques rejoint l'histoire des arts décoratifs.

Perpignan possède un patrimoine du XX siècle remarquable, unique en Languedoc-Roussillon par son ampleur, sa qualité et sa variété. Dès 1906, à l'emplacement de l'enceinte bastionnée démolie au nord puis au sud de la citadelle, sélèvent des immeubles de rapport, des grands magazins, des hôtels particuliers et des maisons de ville, bourgeoises, cossues ou modestes. Avec une forte régularité parcellaire inspirée de la tradition haussmanienne, ces quartiers ont un caractère urbain manifeste et une grande cohérence.

Les quartiers des Remparts Nord, des Remparts Sud, le quartier de la gare, le secteur de la place Cassanyes sont les témoins de l'urbanisation de la ville dans la première moitié du XX siècle par le biais d'opérations immobilières privées. Tout au contraire, la ville nouvelle du Moulin à Vent témoigne de la vitalité urbaine des années 1960-70 impulsée par la municipalité. Ce sont ces cinq quartiers, dans leur ensemble, qui ont reçu le label "patrimoine du XX siècle", attribué par le ministère de la Culture et de la Communication, aunis que huit édifices isolés, considérés comme remarquables en raison de l'importance de leur architecte, Raoul Castan, Edouard Mas-Chancel, Férid Muchir ou Maurice Abelanet, figures de la création architecturale perpignanaise au XX siècle.

Paule Pascal, née en 1932, entre à 15 ans à l’Ecole des beaux-arts de Nîmes puis à l’Ecole des beaux-arts de Paris, dans l’atelier du sculpteur Marcel Gimond de 1954 à 1958.
De retour à Nîmes, grâce au sculpteur et architecte Armand Pellier (1910-1989), elle travaille pour des oeuvres de grandes dimensions liées à l’architecture. Elle bénéficie de nombreuses commandes publiques et collabore avec les architectes les plus actifs du troisième quart du XXe siècle dans le Gard. Sur les chantiers d’Armand Pellier, elle réalise à Vauvert une frise et des piliers avec chevaux et taureaux de Camargue, des murs abstraits pour les agences du Crédit agricole, pour des villas des bas-reliefs, noyau d’escalier ou sculptures pour bassin. Pour Joseph Massota (1925-1989), elle sculpte un bas-relief en pierre du Pont du Gard sur le thème des moissons et des récoltes à la Maison de l’agriculture de Nîmes. Mais elle travaille également le béton moulé à l’église Saint-Dominique de Nîmes ou le métal avec un immense oiseau en tôle au lycée agricole de Rodilhan. Elle affectionne particulièrement le travail sur de grands murs qu’elle sculpte directement sur les chantiers, pour de nombreux immeubles nîmois et des résidences de la nouvelle station de Port Camargue. Elle réalise douze oeuvres au titre du 1% artistique dans des écoles, collèges, lycées du Gard, de l’Hérault, de l’ Aude et de Seine-Maritime, avec les architectes Chabanne, Chouleur, Agniel, Pagès, Catanèse, Pomier, faisant pour chaque lieu des propositions variées : rondes-bosses, petit théâtre de béton, lieu de rencontre animé, mur en tubulures… Paule Pascal envisage la sculpture non comme un art d’ornement, mais comme un art monumental intrinsèquement lié à l’architecture, elle reste durant toute sa carrière fidèle à l’emploi de la pierre du Pont du Gard, jaune et claire qu’elle traite dans un esprit abstrait et brutaliste. Plusieurs de ses oeuvres ont reçu le label « Patrimoine du XXe siècle ».

Cet ouvrage parle aussi bien de l'écaille de la tortue que des éclaboussures de lait, il parle aussi des galaxies,des plantes,des animaux, d'architecture, d'art...
Le lien entre ces centres d'intérêt divers, c'est la structure sous-jacente.
Sommes-nous en présence d'une spirale, d'un branchement, d'une explosion, d'un méandre? En fait, quelles sont les grandes structures de base dans la nature ?, de nombreuses photographies et des croquis illustrent le propos.

Espace et grandeur (11)
- La nature de l'espace (14)
- Courbures (16)
- Polyèdres et mosaïques (19)
- L'effet d'échelle (24)

Structures (41)
- Structures de base (43)
- Topologie (53)

Ecoulements (57)
- Turbulence (59)
- Nombre de Reynolds (61)
- La turbulence dans l'univers (64)
- allées de vortex (69)
- contraintes et écoulement (70)
- Les contraintes dans le bois et l'os (76)
- Contraintes, écoulements et art de l'ingénieur (79)

Spirales, méandres et explosions (82)
- Spirales (85)
- Méandres (94)
- Explosions (100)

Branchements (109)
- Ramifications aléatoires des rivières et des arbres (111)
- Topologie des ramifications aléatoires (118)
- Economie de travail et angle de branchement (119)
- Arbres à motifs répétés (125)
- Arbres théoriques (129)

Arbres (133)
- La tuyauterie des arbres (136)
- Evolution des arbres (138)
- Méristèmes (143)
- Modèles de base de croissance (145)
- Phyllotaxie spirale (152)

Bulles de savon (163)
- Films de savon (135)
- Découpages (167)
- Surfaces qui se rétrécissent (171)
- Grains dans les cristaux (175)
- Ecume (178)
- La mathématique des bulles (184)

Empilements et craquelures (193)
- Empilement compact (195)
- Craquelures (198)
- Analogies géologiques (201)
- De nombreuses causes (207)

Montpellier a conservé la mémoire de peintres célèbres, Sébastien Bourdon, Antoine et Jean Ranc, Jean Raoux, Hyacinthe Rigaud, Jean de Troy, qui animèrent la scène artistique languedocienne dans la seconde moitié du XVII siècle.
Parmi eux le montpelliérain Antoine Ranc 1634-1716 a laissé une œuvre importante disséminée essentiellement dans les églises de l'Hérault. Sa carrière se mesure à l'aune des œuvres conservées, patiemment mises au jour, redécouvertes, bien que cachées au regard par leur mauvais état de conservation. Le travail conjoint des historiens de l'art et des Monuments historiques a permis de retrouver, d'identifier, de classer et de restaurer nombre d'entre elles. Cet ouvrage présente l'état actuel de la connaissance sur cet artiste et met en lumière l'œuvre d'un peintre majeur en Languedoc au temps de Louis XIV.

" Un rêve de pierre ", " La rose des sables ", " Une cité de titans dans un monde lunaire ", les mots manquent pour décrire Pétra, l'un des sites les plus spectaculaires et les plus fascinants de tout le Moyen-Orient. Succession de sanctuaires, accumulation de tombeaux taillés dans la roche, creusée, évidée en façades monumentales, l'antique cité gît au creux d'un massif chaotique de grès pourpre et or, innervé d'entailles gigantesques.
Fabuleux décor de théâtre où se rencontrent l'Orient arabe et l'Occident gréco-romain, cette place forte sans muraille pratiquait si bien l'art du camouflage qu'elle finit par disparaître de la mémoire des hommes à l'aube du Moyen Age. La capitale des Nabatéens – peuple surgi des sables de l'Arabie, dont la civilisation connut son apogée au 1" siècle av. J. C. – ne fut redécouverte qu'en 1812 par Burckhardt.
Le voyageur suisse fut en effet le premier à emprunter l'impressionnant défilé du Sîq et à déboucher, stupéfait, sur l'extraordinaire façade du Khazneh Firaoun, le monument le plus célèbre du site. Mais le court récit de Burckhardt passa quasi inaperçu et il fallut attendre seize ans pour que deux Français, Léon de Laborde et L. M. A. Linant de Bellefonds, fassent ressurgir d'une longue nuit de douze siècles le monde mystérieux de la cité de pierre.
Au cours d'un voyage de deux mois écourté par la menace d'une épidémie de peste, ces deux personnages hors du commun atteignirent la ville par le Sinaï et Aqaba. Malgré l'insécurité qui régnait dans la région, ils parvinrent, en six jours, à recueillir une belle moisson de renseignements sur les Nabatéens et à dessiner de nombreux monuments. En 1830, Laborde publiera le présent ouvrage, le fameux Voyage de l'Arabie Pétrée, passionnant récit d'une aventure peu ordinaire au coeur du désert où s'illustrera, près d'un siècle plus tard, Lawrence d'Arabie.

FLASHBACK
- 2001, les autoroutes de l'information n'iront pas au fort (21)

REALISATIONS
- Ilot mixte à Lyon, Diener & Diener et Clément Vergély architectes (27)
- Extension d'un groupe scolaire, Guécélard, Sarthe, Julien Boidot architecte (36)
- Tour de bureaux à Puteaux, Cro&Co architecture (42)
- Halle polyvalente en bois, Ancy-Dornot, Moselle, StudioLada architecte (50)

DOSSIER : Construction hors site (55)
- Préfabrication et construction modulaire : danger ou opportunité pour l'architecte ? (56)
- Façades en fibrociment préfabriquées, Villeurbanne, Tectoniques architecte (58)
- Tour avec poutres bois-métal et planchers CLT, Bordeaux, Agence Viguier architecte (59)
- Façades en béton préfabriquées, Bordeaux, Cosa architecte (60)
- Modules 3D en acier superposés, Londres, Sheppard Robson architecte (61)

REFERENCE
- Tony Garnier, l'invention de la ville moderne (65)

DETAILS : Façades de briques en relief
- Drapé sculptural pour association d'entreprises textiles, Munich, 2BXL architecte (76)
- Briques projetées en saillie du mur pour tour de logements à Anvers, Belgique, Toni Fretton architecte (78)
- Rideau de briques enfilées pour immeuble de logements, Téhéran, Iran, Admun Studio architecte (80)
- Crénelage en porte-à-faux formant porche d'église à Oberlinghen, Allemagne, Wandel Lorch Götze Wach architecte (82)
- Dégradé de briques concaves et pleines pour logements neufs, Coppenhague, Danemark, Adept architecte (84)

MATERIAUTHEQUE : Etanches (87)

INTERIEUR & DESIGN
- Equipement culturel, Ennevelin, Nord, Pierre Audat et KLV2D architectes (98)

- Exposition : l'épopée du gonflable (106)

Histoire de l'art de E.H. Gombrich est l'un des ouvrages sur l'art les plus célèbres et les plus populaires jamais publiés. Depuis plus de cinquante ans, il demeure une introduction inégalée à l'ensemble du sujet, des premières peintures rupestres à l'art d'aujourd'hui. Dans le monde entier, les lecteurs de tous âges et de tous milieux ont trouvé en Gombrich un véritable maître, qui allie connaiscance et la sagesse à un don unique pour communiquer directement sa profonde affection pour les oeuvres qu'il décrit. Cette Histoire de l'art doit sa popularité durable au style simple et direct de l'auteur. Son but, écrit-il, est "d'apporter un certain ordre, une certaine clarté dans l'abondance de noms propres, de dates, de styles qui compliquent quelque peu les ouvrages plus spécialisée". Grâce à son intelligence de la psychologie des arts visuels, il nous fait percevoir l'histoire de l'art comme "un enchaînement ininterrompu de traditions encore vivantes" qui "relie l'art de notre temps à celui de l'âge des pyramides".

L'art et les artistes (15)
Mystèrieux débuts : peuples préhistoriques et peuples primitifs, amérique ancienne (39)
Un art pour l'éternité : Egypte, Mésopotamie, Crète (55)
Le grand éveil : la Grèce du VII au V siècle avant JC (75)
La terre de la beauté : la Grèce et le monde du IV siècle avant JC au I siècle de notre ère (99)
Conquérants d'Empires : Romains, Bouddhisqtes, Juifs et Chrétiens, du I au IV siècle de notre ère (117)
Bifurcation : Rome et Byzance du V au XIII siècle (133)
Regards vers l'Est : l'Islam et la Chine du II au XIII siècle (143)
Le creuset de l'art occidental : l'Europe du VI au XI siècle (157)
L'église militante : le XII siècle (171)
L'église triomphante : le XIII siècle (185)
Gens de cour et bourgeois : le XIV siècle (207)
La conquête de la réalité : les débuts du XV siècle (223)
Tradition et innovation I : la fin du XV siècle en Italie (247)
Tradition et innovation II : le XV siècle dans les pays du Nord (269)
La perfection de l'harmonie : Rome et la Toscane au début du XVI siècle (287)
Lumière et couleur : Venise et l'Italie du Nord au début du XVI siècle (325)
La renaissance au Nord des Alpes : l'Allemagne et les Pays-Bas au début du XVI siècle (341)
Une période critique ; l'Europe vers la fin du xvi siècle (361)
La diversité dans la vision : l'Europe catholique, première moitié du XVII siècle (387)
Le miroir de la nature : la Hollande au XVII siècle (413)
La puissance et la gloire I : l'Italie, seconde moitié du XVII siècle et XVIII siècle (435)
La puissance et la gloire II : France, Allemagne et Autriche, fin du XVII siècle et début du XVIII siècle (447)
Le siècle des Lumières : France et angleterre au XVIII siècle (457)
Rupture dans la tradition : France, Angleterre, Etats-Unis, fin du XVIII et début du XIX siècle (475)
La révolution permanente : le XIX siècle (499)
A la recherche de critères nouveaux : la fin du XIX siècle (535)
Un art d'expérimentation : la première moitié du XX siècle (557)
Une hitoire sans fin
- le triomphe du modernisme (599)
- un changement d'attitude (618)
- un passé sans cesse à redécouvrir (626)

Dès les débuts du XXe siècle, de nombreux artistes délaissent le territoire de l'idéalisme, rejettent en bloc les formes traditionnelles de représentation et désertent les lieux institutionnels pour s'immerger dans l'ordre des choses concrètes. La réalité devient une préoccupation première, avec, pour conséquence, une refonte du "monde de l'art", de la galerie au musée, du marché au concept d'art lui-même. Emergent alors des pratiques et des formes artistiques inédites : art d'intervention et art engagé de caractère activiste, art investissant l'espace urbain ou le paysage, esthétiques participatives ou actives dans les champs de l'économie, des médias, ou du spectacle. L'artiste devient un acteur social impliqué, souvent perturbateur. Quant à l'œuvre d'art, elle adopte un tour résolument neuf, problématique, plus que jamais en relation avec le monde tel qu'il va. Elle en appelle à la mise en valeur de la réalité brute, au "contexte" justement. L'art devient contextuel. C'est de cette inflexion, caractéristique de l'art moderne puis contemporain, que nous entretient l'auteur en livrant la première synthèse sur le sujet. Il privilégie les exemples concrets mais aussi les questions que ces pratiques ne manquent pas de soulever.

Un art "contextuel", ou comment annexer la réalité (15)
L'expérience comme règle artistique (39)
actes de présence (65)
La ville comme espace pratique (87)
Le paysage investi (117)
L'œuvre d'art mobile (153)
L'art comme participation (179)
Le souci de l'économie (213
Conclusion : l'art contextuel, un avenir ? (231)

Ce documentaire invite les ados à prendre des distances avec l’image, omniprésente, entre ce qui est capté de la réalité et ce qui est perçu sur des écrans et dans les journaux. Pour aiguiser notre regard, pour nous aider à dépasser l’indignation, la colère ou l’émotion qui nous saisissent devant un cliché, voici une trentaine de questions, d’images et autant d’histoires pour réfléchir à la façon dont nous regardons. Les photos de manifestations prennent-elles parti ? Les images d’actualité correspondent-elles toutes à la réalité ? Comment détecter des images truquées ? Pourquoi les autres sont-ils toujours plus beaux sur Instagram ? Qu’est-ce que le droit à l’image ? Avec ce livre, les lecteurs ne regarderont plus les photos de la même façon!

- Sommes-nous plus beaux sur les selfies ? (4)
- Les photos de manifs prennent-elles parti ? (6)
- Qui choisit les photos dans les médias ? (9)
- Les photos d'actu correspondent-elles toutes à la réalité ? (12)
- Est-il facile de truquer une photo ? (14)
- Comment détecter des images truquées ? (17)
- Les scientifiques peuvent-ils nous aider à certifier des photos ? (20)
- Pourquoi les autres sont-ils toujours plus beaux sur Instagram ? (24)
- Un journaliste a-t-il le droit de me photographier ? (28)
- Pourquoi voit-on mieux les filles dans les photos de foule ? (30)
- Pourquoi les écolos sont-ils toujours pris au milieu des plantes vertes ? (33)
- Combien de temps a-t-on pour photographier quelqu'un de connu ? (36)
- Y a-t-il une bonne façon de montrer la souffrance ou la mort ? (38)
- Les reporters aident-ils ceux qui prennent en photo ? (42)
- Les photographes prennent-ils des risques ? (45)
- D'où sortent les images de l'espace ? (48)
- D'où sortent les images de virus et bactéries ? (51)
- Une image suffit-elle à saisir la situation ? (54)
- Comment illustrer les vagues de chaleur ? (58)
- Peut-on montrer la pénurie ? (62)
- Pourquoi la nourriture semble-t-elle toujours si bonne sur Instagram ? (64)
- La photo peut-elle être une preuve ? (66)
- Peut-on renonnaître une photo fabriquée par Intelligence artificielle ? (68)
- Pourquoi tout le monde fait-il les mêmes photos sur Instagram ? (70)
- Pourquoi y a-t-il toujours plein de monde sur les photos de meetings ? (72)
- Pourquoi publier des photos où les gens sont de dos ? (74)
- Les IA (intelligence artificielle) sont-elles racistes ? (78)
- A qui appartient une image générée par intelligence artificielle ? (80)
- Dans quel cas faut-il préciser que la photo a été retouchée ? (82)
- Comment devenir photographe ? (84)

Artoismarche, 171 km parcourus pendant 15 jours de marche photographique sur les routes et chemins de l'Artois.
« Combien de territoires sommes-nous conduits à traverser en bus, en train, en voiture sans aucune conscience de l'histoire qui se cache derrière ces paysages ? Notre perception s'en trouve dès lors altérée. Comment alors aller à la rencontre des « pays » ? En marchant à pied tout simplement. » La marche est au coeur du travail de Nicolas Frémiot. Un travail photographique créé grâce et à partir de ses déplacements dans la nature, l'environnement urbain et extra-urbain.

Entre créations d’architectes, novations de paysagistes, préoccupations écologistes et œuvres d’artistes, cet ouvrage présente dix jardins originaux et spectaculaires du 18e au 21e siècle incarnés par le dessin miniaturiste de Didier Cornille. Après avoir offert aux enfants un premier regard sur l’architecture moderne avec ses précédents ouvrages au principe similaire, l’auteur-illustrateur, qui est aussi professeur d’architecture et designer, revient cette fois-ci avec une belle approche de la création de jardins.

1785, le désert de Retz : Le jardin encyclopédique, François Racine de Monville, Chambourcy (15)
1873, Central Park : Le jardin paysage, Frederick Law Olmsted et Calvert Vaux, New-York (23)
1897, Munstead Wood : Le jardin couleurs, Gertrude Jekyll, Busbridge, Surrey, Grande-Bretagne (31)
1928, la villa Noailles : Le jardin moderne, Gabriel Guevrekian, Hyères (37)
1952, The Oval Gardens : Les jardins familiaux, Carl Theodor Sørensen, Naerum, Danemark (45)
1965, le parc de flamengo : Le jardin public, Roberto Burle Marx, Rio de Janeiro, Brésil (51)
1976, Gas Works Park : Le jarin industriel, Richard Haag, Seattle, Etars-Unis (59)
1987, Le parc de la Villette : Le jarin promenade, Bernard Tschumi, Paris (69)
1989, Le domaine du Rayol : Le jardin méditerranéen, Gilles Clément, Rayol-Canadel-sur-Mer (77)
1998, le jardin des Tarots : Le jardin d'artiste, Niki de Saint Phalle, Garavicchio, Italie (85)