L'art est-il utile à quelque chose ? Doit-il nous faire réfléchir ? Nous élever vers de belles pensées ? Ou simplement nous procurer du plaisir et de l'apaisement ?
Chaque double page de cet album nous présente des reproductions d’œuvres, peintures, sculptures, photos et nous interroge :
L’œuvre d’art est-elle une copie du réel ? L’art doit-il créer de la beauté ?…
Pour tenter d’y répondre, on regarde, on compare, on cherche, on donne son avis… Pas de réponses exactes bien sûr mais un questionnement pour aiguiser notre curiosité, étayer nos connaissances, échanger et argumenter. Un album pour aider à grandir et à développer son sens critique.

Entre créations d’architectes, novations de paysagistes, préoccupations écologistes et œuvres d’artistes, cet ouvrage présente dix jardins originaux et spectaculaires du 18e au 21e siècle incarnés par le dessin miniaturiste de Didier Cornille. Après avoir offert aux enfants un premier regard sur l’architecture moderne avec ses précédents ouvrages au principe similaire, l’auteur-illustrateur, qui est aussi professeur d’architecture et designer, revient cette fois-ci avec une belle approche de la création de jardins.

1785, le désert de Retz : Le jardin encyclopédique, François Racine de Monville, Chambourcy (15)
1873, Central Park : Le jardin paysage, Frederick Law Olmsted et Calvert Vaux, New-York (23)
1897, Munstead Wood : Le jardin couleurs, Gertrude Jekyll, Busbridge, Surrey, Grande-Bretagne (31)
1928, la villa Noailles : Le jardin moderne, Gabriel Guevrekian, Hyères (37)
1952, The Oval Gardens : Les jardins familiaux, Carl Theodor Sørensen, Naerum, Danemark (45)
1965, le parc de flamengo : Le jardin public, Roberto Burle Marx, Rio de Janeiro, Brésil (51)
1976, Gas Works Park : Le jarin industriel, Richard Haag, Seattle, Etars-Unis (59)
1987, Le parc de la Villette : Le jarin promenade, Bernard Tschumi, Paris (69)
1989, Le domaine du Rayol : Le jardin méditerranéen, Gilles Clément, Rayol-Canadel-sur-Mer (77)
1998, le jardin des Tarots : Le jardin d'artiste, Niki de Saint Phalle, Garavicchio, Italie (85)

Jeremy Deller propose aux anciens mineurs d'Orgreave de participer à la reconstitution historique en costume de l'émeute ouvrière anglaise de 1984. Javier Téllez organise avec les patients de l'hôpital psychiatrique de Tijuana la propulsion d'un homme-canon par-dessus la frontière américano-mexicaine. Thomas Hirschhorn invite les habitants d'un quartier du Bronx à construire un monument en l'honneur du philosophe Antonio Gramsci. Une peau de cerf sur les épaules, Marcus Coates rencontre les résidents d'HLM à Londres et réalise une consultation spirituelle du lieu, en qualité de chaman. Ces pratiques artistiques contemporaines forment une nouvelle galaxie étrange, qu'on appellera ici art en commun. Il s'agit de créer dans l'espace social plutôt que dans l'atelier ; sur une longue durée et avec d'autres plutôt qu'en son for intérieur ; de façon collective plutôt que démiurgique. L'œuvre n'est pas le fruit du travail de l'artiste seul, mais celui d'une collaboration en présence entre artiste et volontaires. Ce dispositif artistique bouleverse notre conception de l'art et nos catégories esthétiques. Mais il revêt aussi une dimension politique, en s'emparant des questions de participation et de communauté qui comptent parmi les enjeux les plus cruciaux des tentatives actuelles de vivification de la démocratie, comme de la reconfiguration de nos manières de vivre. Cet ouvrage propose d'interroger les liens entre participation en art et en politique dans le contexte démocratique et néolibéral qui est le nôtre. Et de penser comment l'art en commun peut contribuer à la réinvention des formes possibles du collectif.

Qu'est-ce que l'art en commun ?
- Quelles formes d'œuvres pour l'art en commun ? (21)
- Que veut dire participer ? (55)

Comment l'art en commun interroge notre conception de l'art
- Activer le spectateur (75)
- Intéresser le spectateur (81)
- La valeur d'usage contre le désintéressement (97)
- D'où parle-t-on quand on parle d'art en commun ? (115)

Le spectre de l'instrumentalisation de l'art
- Comment penser les relations entre l'art et la politique ? (147)
- Une politique culturelle au service du social ? (165)
- de l'évaluation de l'art à la formation des valeurs (173)
- Quand valeur esthétique et valeur sociale se transforment (195)
- Comment continuer à agir dans l'espace social pour les artistes ? (209)
- Quelques ruses contre l'instrumentalisation (221)

Participation et communauté : au croisement de l'art et de la politique
- Les différents visages de la participation en politique (231)
- L'invention de la communauté par l'art et par la politique (281)

La collection de design du Centre Pompidou est sans doute l'une des plus importantes du monde. Fondée au début des années 1990, elle s'est d'abord constituée autour d'un noyau d'oeuvres-icônes, incontournables jalons d'une histoire de la discipline au XXe siècle. Aujourd'hui forte de près de 8 000 oeuvres, elle couvre l'ensemble des périodes et des mouvements esthétiques du XXe siècle, jusqu'aux domaines de recherche et d'expérimentation les plus contemporains. Elle rassemble des oeuvres extraordinaires, le plus souvent uniques, qui jalonnent l'histoire du design, tels le prototype du célébrissime Fauteuil Grand Confort de Le Corbusier, Charlotte Perriand et Pierre Jeanneret (1928) ou Bureau pour Robert Mallet-Stevens de Pierre Chareau (1927). Elle accueille également des objets ayant gagné une reconnaissance universelle comme le Bic Cristal (1950), vendu à plus de 100 milliards d'exemplaires. Ces 100 chefs-d'oeuvre du design permettront à tous les amateurs de découvrir les plus belles pièces de cette collection. Une collection qui évolue sans cesse et dont les cent chefs-d'oeuvre de demain seront, prenons-en le pari, une liste largement renouvelée.

Ni mouvement ni courant esthétique, l'Art déco est un état d'esprit, l'expression d'une volonté momentanée de définir le style d'une époque qui marque la France des années 1920. Préfigurant le futur, il apparaît comme le symptôme d'une modernité en mouvement, attaché en particulier aux arts décoratifs et industriels. Apparaissant à la suite des avancées plastiques du début du siècle, et en particulier le cubisme, auxquelles il doit beaucoup, et à l'instar des deux décennies qui le précèdent, l'Art déco valorise le changement, tout en s'affirmant contre la modernité et les modernistes en particulier, contre le dogmatisme, la normalisation, le positionnement idéologique. Son principal mérite sera d'avoir suscité une prodigieuse fécondité de la création dans les domaines des arts visuels, avec une ampleur universelle. Ce livre ne prétend pas être un ouvrage théorique sur l'Art déco. Il tient en particulier à rendre hommage aux jeunes antiquaires qui, à l'orée des années 1970, l'ont redécouvert, soutenu et défendu avec une détermination formidable, en l'imposant sur le marché de l'antiquité. Nous regarderons ces oeuvres pour leur valeur esthétique, qui fut si difficile à imposer aux yeux des collectionneurs et des simples amateurs. Elles sont aujourd'hui l'objet, à l'égal de l'art en général, des jeux spéculatifs qu'anime un marché mondial.

Hector Guimard, né à Lyon en 1867, fut le représentant majeur de l'architecture Art Nouveau à Paris. Le Castel Béranger, un immeuble populaire construit à Auteuil entre 1895 et 1898, le rendit célèbre du jour au lendemain, pour l'originalité de son style et sa conception globale de l'architecture et de la décoration, tant extérieure qu'intérieure. Mais ce succès fut fragile, et toujours contesté ; les prises de position de l'architecte et ses formules " architecte d'art " ou " Style Guimard " contribuèrent à l'isoler. Les édicules du métropolitai
parisien restent son œuvre la plus populaire, et constituent même l'image incontournable du Paris autour de 1900. En tant que créateur de meubles, il a su faire évoluer son art vers un Art Nouveau plus classique, trè
proche de l'ébénisterie du XVIIIe siècle, tant par la pureté des formes que par la perfection des matériaux. Georges Vigne nous fait découvrir l'ensemble de l'œuvre d'Hector Guimard et à travers sa biographie nous évoque l'ère de l'Art Nouveau. Felipe Ferré nous livre sa précieuse et magnifique collection des photographies qu'il a consacrées aux œuvres d'Hector Guimard depuis plus de 30 ans. Ce livre est le résultat de leur rencontre;

La CHRONOLOGIE D'HISTOIRE DE L'ART couvre une période d'environ 50 000 années, s'étendant des premières manifestations d'art rupestre à l'époque contemporaine. Plus de 670 architectes, peintres, sculpteurs, enlumineurs, affichistes, photographes, designers, près de 100 mouvements picturaux ou artistiques, de nombreux événements historiques, politiques, religieux, les inventions qui jouèrent un rôle important dans l'évolution de l'art, plus de 70 dessins et cartes composent cet ensemble qui, dès la fin de l'Antiquité, centre son approche sur l'art occidental. Dynamique, la Chronologie d'histoire de l'art établit des parallélismes évocateurs - la contemporanéité de Bosch et de Botticelli -, des liaisons éclairantes - l'apport de l'art barbare ou l'influence des ordres religieux dans l'art roman. Elle rend manifeste l'apparition de mouvements - maniérisme, baroque, romantisme... -, de nouvelles pratiques artistiques - l'affiche, la photographie -, la disparition ou la déperdition de certains arts - l'enluminure, par exemple, au XVe siècle. Elle met l'accent, au travers d'encadrés, sur les faits de civilisation qui ont joué un rôle majeur dans l'histoire de l'art.

"Carcassonne est une des places manufacturières les plus considérables de France."
Comme Arthur Young, de nombreux commentateurs du XVIIIe siècle ont constaté avec surprise l'ampleur de l'activité drapière du chef-lieu audois. La ville et sa proche région formaient alors une des premières places françaises de confection de draps dont les productions s'exportaient jusqu'au Moyen-Orient.
Les récents travaux de restauration de l'ancienne manufacture royales de la Trivalle ont été l'occasion de redécouvrir ce pan oublié de l'histoire de l'économie régionale pendant laquelle le Languedoc se trouvait au cœur du circuit mondial du drap.
Tout en rappelant le contexte historique et notamment le rôle fondamental de Colbert, cet ouvrage fait découvrir le processus de fabrication des draps ainsi que l'histoire des deux familles ayant pris part au formidable essor de la manufacture royale. Il apporte également un éclairage architectural sur ce monument historique et explique le déroulement de son chantier de restauration en laissant les artisans présenter les différentes facettes de leur intervention.

En 1993, lorsque le livre de Gilles A. Tiberghien est paru, il n’existait pratiquement rien en français sur cet ensemble d’œuvres rattachées à ce que l'on appelle le Land art. Même aux États-Unis, l’intérêt pour ce type d’art restait marginal. Aujourd’hui nombre des artistes de cet ouvrage sont désormais reconnus parmi les plus grands créateurs du XXe siècle. Le livre, à l’époque, à travers une approche d’historien et de philosophe de l’art, défrichait tout un pan de l’histoire de l’art, et c’est sans doute pourquoi sa version originale, devenue introuvable, reste un ouvrage de référence et de bibliophilie. L’idée d’une réédition mise à jour et augmentée était fondée à plusieurs titres : demande de la part d’un public toujours plus nombreux, fait qu’un certain nombre des travaux engagés avant 1993 sont en cours d’achèvement, que d’autres œuvres ont évolué ou sont en voie de disparition. Ensuite, le terme Land art, dans la tentative de définition qu’en donne l’auteur, ne peut convenir pour d’autres formes d’interventions dans la nature qui lui ont succédé et avec lesquelles ont tend à le confondre. Tout art dans la nature n’est pas du Land art. Enfin, le regard que nous portons sur ces pratiques a changé. L’intérêt pour la nature, le paysage et l’écologie est désormais considérable et, hormis les artistes ou les amateurs d’art, nombreux sont ceux qui s’intéressent au Land art, les architectes et les paysagistes en particulier.

- Retour vers le futur (11)
- La traversée du minimalisme (47)
- Sculptures inorganiques (77)
- La terre et le site (101)
- Le temps à l'œuvre (137)
- cartes et inscriptions (169)
- Paysages, de près, de loin (203)
- Les limites de la représentation (229)
- Hors champ (259)
- Cartes (303)

Documents (311)
- Discussions avec Michael Heizer, Dennis Oppenheim et Robert Smithson (312)
- Sur les traces de Nazca (318)
- Frederick Law Olmsted et le paysage dialectique (325)
- La tête de l'Hydre (333)
- Hôtel Palenque, conférence de Robert Smithson (335)

Perpignan possède un patrimoine du XX siècle remarquable, unique en Languedoc-Roussillon par son ampleur, sa qualité et sa variété. Dès 1906, à l'emplacement de l'enceinte bastionnée démolie au nord puis au sud de la citadelle, sélèvent des immeubles de rapport, des grands magazins, des hôtels particuliers et des maisons de ville, bourgeoises, cossues ou modestes. Avec une forte régularité parcellaire inspirée de la tradition haussmanienne, ces quartiers ont un caractère urbain manifeste et une grande cohérence.

Les quartiers des Remparts Nord, des Remparts Sud, le quartier de la gare, le secteur de la place Cassanyes sont les témoins de l'urbanisation de la ville dans la première moitié du XX siècle par le biais d'opérations immobilières privées. Tout au contraire, la ville nouvelle du Moulin à Vent témoigne de la vitalité urbaine des années 1960-70 impulsée par la municipalité. Ce sont ces cinq quartiers, dans leur ensemble, qui ont reçu le label "patrimoine du XX siècle", attribué par le ministère de la Culture et de la Communication, aunis que huit édifices isolés, considérés comme remarquables en raison de l'importance de leur architecte, Raoul Castan, Edouard Mas-Chancel, Férid Muchir ou Maurice Abelanet, figures de la création architecturale perpignanaise au XX siècle.

Cette publication nous fait partager le mystère de la découverte d’une œuvre majeure, unique en Occitanie, un plafond peint conservé dans une maison de Montpellier inscrite au titre des Monuments historiques. Elle relate une épopée qui fait songer à celle de la tapisserie de la reine Mathilde.
L’histoire est plus jeune de deux siècles et nous renvoie au 31 décembre 1229, à l’époque des rois d’Aragon et représente la prise de l’île de Majorque, épisode essentiel de la Reconquista de la péninsule Ibérique par Jacques d’Aragon (1208-1276), comte de Barcelone, seigneur de Montpellier. Il s’engage dans un vaste projet d’extension de son domaine en reprenant les royaumes occupés par les musulmans d’al-Andalus.
Au cours de l’épopée, les seigneurs catalans, aragonais, languedociens, béarnais, provençaux, navarrais et français qui l’accompagnaient, trouvèrent leurs heures de gloire et de fortune. Ces peintures nous rappellent que Montpellier a appartenu successivement aux souverains aragonais puis majorquins entre 1204 et 1349.

Montpellier a conservé la mémoire de peintres célèbres, Sébastien Bourdon, Antoine et Jean Ranc, Jean Raoux, Hyacinthe Rigaud, Jean de Troy, qui animèrent la scène artistique languedocienne dans la seconde moitié du XVII siècle.
Parmi eux le montpelliérain Antoine Ranc 1634-1716 a laissé une œuvre importante disséminée essentiellement dans les églises de l'Hérault. Sa carrière se mesure à l'aune des œuvres conservées, patiemment mises au jour, redécouvertes, bien que cachées au regard par leur mauvais état de conservation. Le travail conjoint des historiens de l'art et des Monuments historiques a permis de retrouver, d'identifier, de classer et de restaurer nombre d'entre elles. Cet ouvrage présente l'état actuel de la connaissance sur cet artiste et met en lumière l'œuvre d'un peintre majeur en Languedoc au temps de Louis XIV.

" Un rêve de pierre ", " La rose des sables ", " Une cité de titans dans un monde lunaire ", les mots manquent pour décrire Pétra, l'un des sites les plus spectaculaires et les plus fascinants de tout le Moyen-Orient. Succession de sanctuaires, accumulation de tombeaux taillés dans la roche, creusée, évidée en façades monumentales, l'antique cité gît au creux d'un massif chaotique de grès pourpre et or, innervé d'entailles gigantesques.
Fabuleux décor de théâtre où se rencontrent l'Orient arabe et l'Occident gréco-romain, cette place forte sans muraille pratiquait si bien l'art du camouflage qu'elle finit par disparaître de la mémoire des hommes à l'aube du Moyen Age. La capitale des Nabatéens – peuple surgi des sables de l'Arabie, dont la civilisation connut son apogée au 1" siècle av. J. C. – ne fut redécouverte qu'en 1812 par Burckhardt.
Le voyageur suisse fut en effet le premier à emprunter l'impressionnant défilé du Sîq et à déboucher, stupéfait, sur l'extraordinaire façade du Khazneh Firaoun, le monument le plus célèbre du site. Mais le court récit de Burckhardt passa quasi inaperçu et il fallut attendre seize ans pour que deux Français, Léon de Laborde et L. M. A. Linant de Bellefonds, fassent ressurgir d'une longue nuit de douze siècles le monde mystérieux de la cité de pierre.
Au cours d'un voyage de deux mois écourté par la menace d'une épidémie de peste, ces deux personnages hors du commun atteignirent la ville par le Sinaï et Aqaba. Malgré l'insécurité qui régnait dans la région, ils parvinrent, en six jours, à recueillir une belle moisson de renseignements sur les Nabatéens et à dessiner de nombreux monuments. En 1830, Laborde publiera le présent ouvrage, le fameux Voyage de l'Arabie Pétrée, passionnant récit d'une aventure peu ordinaire au coeur du désert où s'illustrera, près d'un siècle plus tard, Lawrence d'Arabie.

Le projet est d’envergure, à tel point qu’il a été distingué par le Prix Champagne Henriot du catalogue d’artiste 2011.
Hommage à la passion d’enfance du Gentil Garçon pour les encyclopédies, cet objet éditorial en reprend le principe : des mots-clés, des articles et des illustrations attachés à ces mots-clés, un classement alphabétique. Plus de 40 articles signés par différents contributeurs, dans une perspective critique transversale et thématique de l’œuvre. En notices complémentaires, des cartes géographiques indiquant les lieux où l’artiste a exposé ou travaillé, des cartes astronomiques répertoriant les constellations d’artistes qui l’ont influencé, ou bien encore une frise chronologique qui mettra en relation la vie de l’artiste avec les contextes culturels ou les événements historiques parfois mineurs, qui ont influencé son travail.

Avec des textes de : Kathy Alliou, Julien Amouroux, Davide Balula, Isabelle Bertolotti, Anne Couzon Cesca, Jérôme Diacre, Jérôme Dupeyrat, Hélène Kelmachter, Emmanuel Latreille, Patrick Nardin, Didier Ottinger, Eva Prouteau, Carole Rigaut, Jackie-Ruth Meyer, Claude-Hubert Tatot, Yves Tenret.

Quarante articles thématiques et plus de quatre-vingt notices d’œuvres, intégralement traduits.

Dès les débuts du XXe siècle, de nombreux artistes délaissent le territoire de l'idéalisme, rejettent en bloc les formes traditionnelles de représentation et désertent les lieux institutionnels pour s'immerger dans l'ordre des choses concrètes. La réalité devient une préoccupation première, avec, pour conséquence, une refonte du "monde de l'art", de la galerie au musée, du marché au concept d'art lui-même. Emergent alors des pratiques et des formes artistiques inédites : art d'intervention et art engagé de caractère activiste, art investissant l'espace urbain ou le paysage, esthétiques participatives ou actives dans les champs de l'économie, des médias, ou du spectacle. L'artiste devient un acteur social impliqué, souvent perturbateur. Quant à l'œuvre d'art, elle adopte un tour résolument neuf, problématique, plus que jamais en relation avec le monde tel qu'il va. Elle en appelle à la mise en valeur de la réalité brute, au "contexte" justement. L'art devient contextuel. C'est de cette inflexion, caractéristique de l'art moderne puis contemporain, que nous entretient l'auteur en livrant la première synthèse sur le sujet. Il privilégie les exemples concrets mais aussi les questions que ces pratiques ne manquent pas de soulever.

Un art "contextuel", ou comment annexer la réalité (15)
L'expérience comme règle artistique (39)
actes de présence (65)
La ville comme espace pratique (87)
Le paysage investi (117)
L'œuvre d'art mobile (153)
L'art comme participation (179)
Le souci de l'économie (213
Conclusion : l'art contextuel, un avenir ? (231)

Ce documentaire invite les ados à prendre des distances avec l’image, omniprésente, entre ce qui est capté de la réalité et ce qui est perçu sur des écrans et dans les journaux. Pour aiguiser notre regard, pour nous aider à dépasser l’indignation, la colère ou l’émotion qui nous saisissent devant un cliché, voici une trentaine de questions, d’images et autant d’histoires pour réfléchir à la façon dont nous regardons. Les photos de manifestations prennent-elles parti ? Les images d’actualité correspondent-elles toutes à la réalité ? Comment détecter des images truquées ? Pourquoi les autres sont-ils toujours plus beaux sur Instagram ? Qu’est-ce que le droit à l’image ? Avec ce livre, les lecteurs ne regarderont plus les photos de la même façon!

- Sommes-nous plus beaux sur les selfies ? (4)
- Les photos de manifs prennent-elles parti ? (6)
- Qui choisit les photos dans les médias ? (9)
- Les photos d'actu correspondent-elles toutes à la réalité ? (12)
- Est-il facile de truquer une photo ? (14)
- Comment détecter des images truquées ? (17)
- Les scientifiques peuvent-ils nous aider à certifier des photos ? (20)
- Pourquoi les autres sont-ils toujours plus beaux sur Instagram ? (24)
- Un journaliste a-t-il le droit de me photographier ? (28)
- Pourquoi voit-on mieux les filles dans les photos de foule ? (30)
- Pourquoi les écolos sont-ils toujours pris au milieu des plantes vertes ? (33)
- Combien de temps a-t-on pour photographier quelqu'un de connu ? (36)
- Y a-t-il une bonne façon de montrer la souffrance ou la mort ? (38)
- Les reporters aident-ils ceux qui prennent en photo ? (42)
- Les photographes prennent-ils des risques ? (45)
- D'où sortent les images de l'espace ? (48)
- D'où sortent les images de virus et bactéries ? (51)
- Une image suffit-elle à saisir la situation ? (54)
- Comment illustrer les vagues de chaleur ? (58)
- Peut-on montrer la pénurie ? (62)
- Pourquoi la nourriture semble-t-elle toujours si bonne sur Instagram ? (64)
- La photo peut-elle être une preuve ? (66)
- Peut-on renonnaître une photo fabriquée par Intelligence artificielle ? (68)
- Pourquoi tout le monde fait-il les mêmes photos sur Instagram ? (70)
- Pourquoi y a-t-il toujours plein de monde sur les photos de meetings ? (72)
- Pourquoi publier des photos où les gens sont de dos ? (74)
- Les IA (intelligence artificielle) sont-elles racistes ? (78)
- A qui appartient une image générée par intelligence artificielle ? (80)
- Dans quel cas faut-il préciser que la photo a été retouchée ? (82)
- Comment devenir photographe ? (84)

Croît de la pollution, raréfaction des ressources, dérèglements météorologiques, réchauffement climatique - Le désordre écologique est en route, lourd de menaces pour la survie des espèces, dont la nôtre. Bien des créateurs, conscients de l'urgence d'une réplique « verte », s'engagent et instituent de nouvelles normes d'expression, d'essence écologique. Pour changer les mentalités, pour réparer, pour refonder l'alliance avec la Terre, jusqu'à nouvel ordre notre unique zone d'habitat possible. Car l'anthropocène est là, cette ère de la vie de notre planète où les effets de l'activité humaine affectent celle-ci, en surface et dans l'atmosphère, plus que l'action tellurique. Ce qu'il faut, c'est agir, s'investir, susciter une symbolique du combat et de l'éthique. Adaptées aux exigences du développement durable, les oeuvres plasticiennes éprises d'écologie adoptent des formes inusitées : travail dans et avec la nature, développement de laboratoires, pratique du recyclage et des interventions éphémères, création collaborative et poétique de la responsabilité... L'annonce d'un âge nouveau de l'art.

Prendre un bain de nature
- La Terre est à moi ! (15)
- "L'idée de nature" : le bain visuel, et plus (25)
- Immersions et collaborations (33)
- Proximités et distances (43)

Vers l'éco-création
- L'écologie, un souci culturel croissant (57)
- Etre écologique ou ne pas l'être (67)
- Le corps renaturé (77)
- Le devenir naturel de l'art (85)
- L'Eden, naissance, retrouvailles et mort (95)
- Man Plus Environment (117)
- La "Solastalgie" et ses effets (129)

Pas à pas vers l'art utile
- Reconstruire la maison (155)
- L'éthique comme esthétique (175)
- Responsabilité (193)
- Parenthèses : créer avec l'arbre (217)
- Pas seulement "Green" pour un art écosophique et socizl (233)

Depuis plusieurs années, les occupations plus ou moins sauvages, par des artistes, de lieux industriels désaffectés se sont multipliées en France. Après un parcours souvent émaillé de luttes, l'action culturelle des friches artistiques a fini par mobiliser l'attention du ministère de la Culture qui a pris, en juin 2001, les premières mesures d'accompagnement et de soutien a ces expériences. Ce livre propose une enquête illustrée du phénomène dans sept lieux situés dans différentes villes de France (Bourges, Dijon, Grenoble, Marseille, Nice, Toulouse, Saint-Ouen) et tente de répondre à quelques questions : qui sont ces artistes ? quelles activités créent-ils dans ces lieux ? quels sont leurs rapports avec le public, les municipalités ? quel avenir envisagent-ils ?